La peinture numérique est une forme d’art visuel qui utilise des outils numériques tels que des logiciels de création graphique, des tablettes graphiques et des stylets pour créer des œuvres d’art. Contrairement à la peinture traditionnelle sur toile ou sur papier, la peinture numérique se fait sur un écran d’ordinateur ou de tablette.
Les artistes utilisent des logiciels de peinture numérique spécialement conçus, tels que Adobe Photoshop, Corel Painter, Procreate, Krita et bien d’autres, qui offrent une large gamme d’outils et de fonctionnalités pour simuler différents médiums de peinture traditionnels tels que l’aquarelle, l’huile, l’acrylique, le crayon, etc.
La peinture numérique permet aux artistes de créer des œuvres d’art avec une grande flexibilité et une variété de techniques. Les avantages de la peinture numérique incluent la possibilité d’expérimenter sans limites, d’effacer et de corriger facilement les erreurs, de travailler avec différentes couches, de manipuler les couleurs et les textures, d’utiliser des outils de mélange, et même d’animer des illustrations.
De plus, la peinture numérique offre la possibilité de travailler de manière plus rapide et plus pratique, sans avoir besoin de se procurer ou de stocker une grande quantité de matériel artistique. Elle permet également de réaliser des œuvres facilement partageables en ligne et de les imprimer à des fins d’exposition ou de vente.
Rendre une peinture réaliste
Pour rendre réaliste une peinture numérique, il est important d’étudier les références et exemples, comme des photos ou des objets réels. Il faut alors observer attentivement les détails, les valeurs des couleurs, les ombres et les reflets pour les reproduire avec précision.
Les calques permettent de travailler sur différentes parties de l’œuvre de manière séparée, ce qui facilite les modifications et les ajustements ultérieurs. On peut également expérimenter avec les modes de fusion des calques pour obtenir des effets de lumière et de texture réalistes.
Les valeurs tonales, qui se réfèrent aux différents niveaux de luminosité d’une image, sont aussi un bon moyen de travailler le réalisme de l’œuvre. Il faut s’assurer d’utiliser une gamme étendue de valeurs, allant des tons foncés aux tons clairs, pour donner de la profondeur et du réalisme à la peinture numérique. Les ombres et les lumières sont également des éléments clés pour créer un effet tridimensionnel et réaliste. Observer comment la lumière se comporte dans différentes situations et reproduire ces effets dans sa peinture est une nécessité. Il est possible d’expérimenter avec les dégradés, les effets d’éclairage et les reflets.
Puis, des textures peuvent être rajoutés pour rendre la peinture numérique plus réaliste. En utilisant notamment des brosses texturées ou en appliquant des textures externes à l’aide de calques et de modes de fusion appropriés. Les textures ajoutent de la profondeur et du détail à l’œuvre. Les petits détails contribuent à créer un effet réaliste. Il faut porter une attention particulière aux détails des textures, des reflets, des plis et des structures pour donner de la crédibilité à la peinture. Il faut aussi utiliser des calques pour travailler par couches. Commencer par une esquisse de base, puis ajouter des couches successives de détails, de couleurs et de textures. Cela permettra d’ajuster facilement chaque élément et de créer une peinture réaliste.
Enfin, les outils de mélange dans les logiciels de peinture numérique permettent de mélanger les couleurs et de créer des transitions douces entre les tons. Il faut alors expérimenter avec ces outils pour obtenir des résultats réalistes, en particulier lorsqu’il s’agit de peindre des formes organiques comme la peau ou les cheveux. En résumé, il faut retenir que le réalisme dans la peinture numérique dépend du sens de l’observation et de la capacité à représenter fidèlement les détails et les nuances visuelles. La patience et la persévérance sont essentielles pour améliorer ses compétences et atteindre un niveau de réalisme satisfaisant.
NOUS SOMMES UN STUDIO MARSEILLAIS, NOUS RÉALISONS DES MOTION DESIGN, FILMS ET IDENTITÉS VISUELLES
MOTION DESIGN
Nous commençons par la conception d’un storytelling. Nous détaillons l’histoire précise à mettre en image, les idées de représentation et les messages à retrouver.
Ensuite, nous illustrons entièrement l’histoire à travers un storyboard. Une fois le style graphique et les illustrations actées, nous passons aux phases finales, l’animation et le design sonore, pour rendre l’image définitivement vivante.
FILM
Tout commence avec la recherche d’un concept. Précis et engageant, il est ensuite scénarisé pour définir l’approche stylistique, les scènes et les détails à capter. Après l’établissement de la feuille de route qui liste les lieux, les accessoires, le matériel utilisé et les plans à réaliser, nous procédons au tournage. Après dérushage, nous passons au montage, aux animations et au design sonore.
Identité visuelle
Nous cherchons d’abord à vous définir par des mots. Une fois le message établi, nous passons à la réflexion ergonomique et à la définition du style. Illustration, texte, jeu de typographie, formes et couleurs, tout est défini pour vous ressembler. A partir du logo choisi, nous procédons alors à sa déclinaison de charte graphique. Nous déployons ensuite le langage spécifique à la marque dans une charte éditoriale.
Quelques mots sur Maud & Romain, les deux fondateurs du studio
scène, lors de la réalisation d’un motion design, c’est en accord qu’ils créent le message. Pour la création d’une identité de marque, les deux profils de conceptrice et de graphiste se rejoignent pour mettre en commun toutes leurs compétences.