Comment animer un personnage ?

Animer un personnage peut être un processus complexe, et il existe plusieurs manières de le faire. Voici quelques clés pour vous guider dans l’animation, qu’elle soit traditionnelle ou aidée par ordinateur.

Avant de commencer l’animation, il est important de comprendre le personnage que vous allez animer. Développer son apparence, sa personnalité, ses motivations et ses traits distinctifs. Cela vous aidera à donner vie au personnage de manière cohérente.

Un storyboard est aussi un bon moyen de prévoir son apparence et les poses clés de son visage, de son corps de profil, de face ou de dos. Le storyboard prend la forme d’une séquence d’illustrations qui raconte l’histoire ou la scène que vous souhaitez animer. Il vous permet de planifier les actions du personnage et de visualiser le déroulement de l’animation.

L’animation traditionnelle

Aujourd’hui, quand on pense « animation traditionnelle », on imagine le dessin image par image du mouvement sur des logiciels permettant de numériser immédiatement l’illustration. Mais avant le développement des logiciels, cette technique classique consistait à dessiner chaque image individuellement sur des feuilles de papier, puis à les photographier ou à les numériser pour créer une séquence animée.
Maintenant, cette méthode utilise des logiciels spécifiques pour créer des images et les animer. Vous pouvez dessiner les poses clés et les intervalles directement sur un logiciel d’animation, ce qui facilite les modifications et les ajustements. Des logiciels populaires pour l’animation 2D incluent Adobe Animate, Toon Boom Harmony et TVPaint.

Généralement, la meilleure méthode pour procéder est d’identifier les moments clés de l’animation et créer des poses clés pour chacun d’entre eux. Ces poses serviront de repères pour les mouvements du personnage. Une fois les poses clés établies, on peut ajouter les intervalles entre celles-ci. Ce sont les transitions fluides entre les poses qui donnent un mouvement naturel au personnage. Le timing est crucial en animation. Il faut alors jouer avec la durée de chaque pose et intervalle pour créer des effets de vitesse, d’accélération ou de ralentissement, en fonction de l’action que vous voulez représenter. Puis, vous pouvez ajouter des mouvements secondaires. Ce sont les actions qui accompagnent le mouvement principal du personnage, tels que le mouvement des cheveux, des vêtements ou d’autres parties du corps. Ils ajoutent du réalisme et de la fluidité à l’animation. Une fois l’animation de base réalisée, affinez les détails pour ajouter du réalisme et de l’expressivité. Travaillez sur les expressions faciales, les gestes des mains, les regards et tous les autres éléments qui contribuent à la personnalité du personnage. Faites des révisions régulières de votre animation en la regardant attentivement. Identifiez les zones qui nécessitent des améliorations et apportez les ajustements nécessaires pour obtenir le résultat souhaité. Une fois que vous êtes satisfait de l’animation, exportez-la dans le format souhaité pour pouvoir l’utiliser dans vos projets.

L’animation 3D

Cette technique consiste à créer un modèle en 3D du personnage, puis à le manipuler à l’aide de logiciels de modélisation et d’animation 3D tels que Blender, Maya ou 3ds Max. L’animation 3D offre une gamme plus large de mouvements et d’effets réalistes, mais elle demande des compétences plus avancées en modélisation et en animation. Tout d’abord, vous devez créer ou importer le modèle 3D de votre personnage dans le logiciel. Assurez-vous que le personnage est correctement riggé, c’est-à-dire qu’il possède une structure interne permettant de définir les articulations et les contrôles nécessaires pour l’animation. Identifiez les articulations principales du personnage, telles que les épaules, les coudes, les poignets, les hanches, les genoux, les chevilles, etc. Assurez-vous que les articulations sont correctement définies et qu’elles sont compatibles avec le système de rigging utilisé dans le logiciel. Créez des contrôles (contrôleurs) pour les articulations afin de faciliter l’animation. Ces contrôles permettent de manipuler facilement les différentes parties du personnage et de les animer de manière fluide. Vous pouvez utiliser des contrôleurs basés sur des os, des nœuds, des manipulateurs ou des contrôles personnalisés en fonction des fonctionnalités offertes par votre logiciel.

Commencez par créer les poses clés de votre animation. Sélectionnez les articulations appropriées et posez-les aux moments clés de l’animation. Vous pouvez utiliser les outils de manipulation du logiciel pour ajuster la position, l’orientation et l’échelle des articulations afin de créer les poses souhaitées. Après avoir créé les poses clés, utilisez les outils d’interpolation du logiciel pour créer les poses intermédiaires. Ces outils calculent automatiquement les positions, orientations et échelles des articulations entre les poses clés, créant ainsi une transition fluide entre celles-ci. Une fois l’interpolation réalisée, passez en revue votre animation et apportez des ajustements pour améliorer le réalisme et l’expressivité. Concentrez-vous sur les mouvements des articulations, des membres, du visage et des autres parties du corps pour les rendre plus naturels et cohérents. Enrichissez votre animation en ajoutant des mouvements secondaires, tels que les mouvements des cheveux, des vêtements, des accessoires ou tout autre élément qui apportera du réalisme et du dynamisme à votre personnage. Visualisez régulièrement votre animation dans le logiciel pour repérer les erreurs, les problèmes de fluidité ou tout autre aspect nécessitant des ajustements. Effectuez les modifications nécessaires pour améliorer la qualité globale de l’animation. Une fois que vous êtes satisfait de votre animation, procédez au rendu final en utilisant les paramètres de rendu du logiciel. Choisissez le format de sortie approprié pour votre projet, tel que des fichiers vidéo ou des séquences d’images.

Le motion design

Cette approche combine l’animation et le design graphique pour créer des mouvements et des transitions fluides entre des éléments visuels. Vous pouvez animer les différents éléments du personnage, comme les membres, les traits du visage ou les accessoires, en utilisant des logiciels de motion design tels que Adobe After Effects, Cinema 4D ou Moho.

Tout d’abord, créez ou importez le personnage dans votre logiciel de motion design. Assurez-vous que le personnage est prêt à être animé, avec des parties séparées comme les bras, les jambes, le torse, la tête, etc. Cela permettra de manipuler facilement chaque partie indépendamment. Divisez le personnage en différentes parties, par exemple en utilisant des calques ou des groupes dans votre logiciel. Cela vous permettra d’animer chaque partie séparément et d’ajouter des mouvements spécifiques à chaque élément du personnage. Identifiez les poses clés de votre animation.

Utilisez les outils de transformation de votre logiciel pour positionner et orienter les différentes parties du personnage aux moments clés de l’animation. Par exemple, vous pouvez créer une pose clé où le personnage lève le bras ou se penche vers l’avant. Une fois les poses clés établies, animez les intervalles entre ces poses pour créer une transition fluide. Utilisez les outils d’animation de votre logiciel pour déplacer, faire pivoter, changer la taille ou déformer les parties du personnage, en fonction des mouvements souhaités. Jouez avec le timing et le rythme de votre animation pour ajouter du dynamisme et de l’impact. Utilisez des variations de vitesse, des accélérations ou des décélérations pour donner vie au personnage et rendre l’animation plus intéressante visuellement. Pour ajouter du réalisme et du détail à votre animation, pensez aux mouvements secondaires. Ce sont des actions supplémentaires qui accompagnent le mouvement principal du personnage, comme le mouvement des cheveux, des vêtements, des accessoires, etc. Animez ces éléments pour renforcer l’illusion de mouvement et ajouter du réalisme à votre animation. Expérimentez avec des graphiques, des formes et des effets visuels pour ajouter du style et de la créativité à votre animation. Par exemple, vous pouvez utiliser des éléments graphiques pour représenter des émotions, des pensées ou des actions du personnage. Ajoutez également des transitions fluides, des effets de particules ou d’autres effets visuels pour rendre l’animation plus dynamique. Une fois l’animation principale réalisée, affinez les détails en ajustant les mouvements, en corrigeant les erreurs et en apportant des améliorations générales. Assurez-vous que chaque partie du personnage s’anime de manière cohérente et que l’ensemble de l’animation est fluide et attrayant. Une fois que vous êtes satisfait de votre animation, procédez au rendu final en utilisant les paramètres appropriés dans votre logiciel. Exportez l’animation dans le format souhaité pour une utilisation ultérieure ou pour la diffusion.

Chaque technique a ses propres avantages et challenges, et le choix dépendra de vos compétences, de vos ressources et du style d’animation que vous souhaitez réaliser. Vous pouvez également combiner différentes techniques pour obtenir des résultats uniques et créatifs.