© Capture du film Pinocchio – 1940, Walt Disney Productions
Le terme « lip sync » fait référence à la synchronisation labiale. Cela désigne l’acte de synchroniser le mouvement des lèvres avec une piste audio, généralement pour créer l’illusion que les paroles sont prononcées par la personne dont les lèvres bougent. Cette technique est souvent utilisée dans l’industrie du divertissement, notamment dans les films, les émissions de télévision, les clips musicaux et d’autres formes de médias.
Dans le domaine de la musique, le lip sync est couramment utilisé lors de performances en direct à la télévision ou sur scène pour garantir que le son soit de haute qualité et éviter les problèmes techniques. Cependant, il est important de noter que certaines personnes peuvent considérer le lip sync comme moins authentique par rapport à une performance vocale en direct. En dehors du divertissement, le lip sync peut également être utilisé pour des besoins techniques, tels que l’alignement des dialogues dans les films doublés ou la synchronisation de voix dans les jeux vidéo.
Dans notre métier, le lip sync correspond surtout à la synchronisation des mouvements des lèvres des personnages avec les dialogues qu’ils prononcent. C’est une étape cruciale pour rendre l’animation plus réaliste et immersive.
En animation et motion design
Tout d’abord, les dialogues de la scène sont transcrits. Chaque mot est découpé en phonèmes, qui sont les unités sonores distinctes d’une langue (par exemple, les sons « p », « b », « m », etc.). Ensuite, chaque phonème est associé à une forme de bouche spécifique. Par exemple, le phonème « p » pourrait nécessiter une bouche partiellement fermée, tandis que le phonème « a » pourrait nécessiter une bouche grande ouverte.
Puis l’animateur crée les mouvements de la bouche du personnage pour correspondre aux phonèmes. Cela implique de déformer la géométrie du visage du personnage pour obtenir les formes de bouche appropriées à chaque instant. L’animateur ajuste ensuite les mouvements pour s’assurer qu’ils semblent naturels et fluides. Cela peut impliquer de régler la synchronisation et l’expression faciale pour correspondre à l’émotion ou au ton de la scène. Il est important de noter que le lip sync en animation ne se limite pas seulement aux lèvres, mais peut également inclure d’autres mouvements faciaux tels que les sourcils, les yeux et les expressions du visage en général.
L’émotion du personnage
Il faut également prêter une attention particulière à l’émotion du personnage quand il parle. S’il est heureux, les mouvements de sa bouche seront différents que si son humeur est neutre ou encore triste. Il est possible de trouver de nombreux exemples parmi les recherches de l’animateur Preston Blair, qui a participé à la réalisation des films Fantasia, Pinocchio ou encore Bambi et a travaillé pour les studios Disney et Tex Avery. Ses planches d’exemples montrent comment le visage entier d’un personnage peut se transformer en fonction des mots qu’il prononce et devenir, même dans son discours, un vecteur d’humour et comédie.
Les méthodes
Le lip sync peut être réalisé de plusieurs façon différentes en fonction du style d’animation et de rendu souhaité. Les formes de bouches peuvent être réalisées à la main, image par image, phonème après phonème, comme il était fait aux débuts de l’animation traditionnelle. Mais aujourd’hui, de nombreux outils permettent de créer des animations de bouches simplifiées, automatisées et surtout, pouvant s’adapter d’un personnage à un autre ou d’un projet à un autre. Ce lip sync peut alors se créer grâce à des logiciels d’animation 2D comme Moho ou After Effect ou bien avec des logiciels d’animation 3D comme il est fait pour la plupart des nouveaux films Disney.
En résumé, le lip sync en animation vise à créer une synchronisation réaliste entre les mouvements des lèvres des personnages et les dialogues qu’ils prononcent, ce qui contribue à rendre l’animation plus convaincante et immersive pour le public.
© Preston Blair
NOUS SOMMES UN STUDIO MARSEILLAIS, NOUS RÉALISONS DES MOTION DESIGN, FILMS ET IDENTITÉS VISUELLES
MOTION DESIGN
Nous commençons par la conception d’un storytelling. Nous détaillons l’histoire précise à mettre en image, les idées de représentation et les messages à retrouver.
Ensuite, nous illustrons entièrement l’histoire à travers un storyboard. Une fois le style graphique et les illustrations actées, nous passons aux phases finales, l’animation et le design sonore, pour rendre l’image définitivement vivante.
FILM
Tout commence avec la recherche d’un concept. Précis et engageant, il est ensuite scénarisé pour définir l’approche stylistique, les scènes et les détails à capter. Après l’établissement de la feuille de route qui liste les lieux, les accessoires, le matériel utilisé et les plans à réaliser, nous procédons au tournage. Après dérushage, nous passons au montage, aux animations et au design sonore.
Identité visuelle
Nous cherchons d’abord à vous définir par des mots. Une fois le message établi, nous passons à la réflexion ergonomique et à la définition du style. Illustration, texte, jeu de typographie, formes et couleurs, tout est défini pour vous ressembler. A partir du logo choisi, nous procédons alors à sa déclinaison de charte graphique. Nous déployons ensuite le langage spécifique à la marque dans une charte éditoriale.
Quelques mots sur Maud & Romain, les deux fondateurs du studio
Romain est l’illustrateur et animateur du studio. Il est celui qui donne une image à l’idée, qui la met en scène et qui la fait vivre. Maud est la rédactrice et scénariste. Elle est celle qui invente le concept, imagine l’histoire et l’écrit. Lors d’une captation, c’est ensemble qu’ils dirigent la scène.
Lors de la réalisation d’un motion design, c’est en accord qu’ils créent le message. Pour la création d’une identité de marque, les deux profils de conceptrice et de graphiste se rejoignent pour mettre en commun toutes leurs compétences.